Douglas Dare: „Douglas singt unentwegt während des Unterrichts!”


Spotify Office Session

Schon der Soundcheck zur Office Session lässt uns in Verzückung geraten: Douglas Dare sitzt kerzengerade hinter seinem Piano und erfüllt den Raum mit einer traurigen Melodie und seiner wunderschönen, zerbrechlichen Stimme. „Let me read again, the letters that you’ve sent”, haucht er ins Mikrofon, bevor er ein herzergreifendes  „Caroline wrote to me every day” anstimmt und den Anwesenden der Atem stockt. Wir stellen uns darauf ein, einen melancholischen Künstler zu treffen. Als wir uns wenige Minuten später gemeinsam auf die Couch setzen, sind wir erstaunt: Douglas Dare ist eine Frohnatur, lacht viel und erzählt amüsante Anekdoten aus seiner Kindheit:

Warst Du ein guter Schüler?

Ich sang sehr oft in der Klasse und wurde deshalb zurechtgewiesen. Einmal musste ich sogar einen Brief mit nach Hause nehmen in dem stand: „Douglas singt unentwegt während des Unterrichts!” Besonders in Lebensmitteltechnologie war mir so langweilig, dass ich häufig lauthals los sang, bis meine Schulkameraden und Lehrer genervt von mir waren. Manchmal schlich ich mich auch aus der Klasse, um in das Musikzimmer zu gehen.

Warum?

Ich spielte in jeder freien Sekunde Klavier. Deshalb war ich nie mit den anderen Kindern auf dem Spielplatz. Manchmal besuchten mich Freunde, wir sangen gemeinsam und gründeten sogar unseren eigenen Musikclub. Wenn ich darüber nachdenke, dann aß ich sogar mein Mittagessen im Musikzimmer. Damals komponierte ich Instrumentalmusik, erst später schrieb ich richtige Songs, mit 18 dann, als ich auf die Musikuniversität in Liverpool ging.

„Caroline” ist ein herzzerreißendes Lied über eine unerfüllte Liebe. Ist es autobiographisch inspiriert?

Die Geschichte ist komplett erfunden. Jemand findet längst vergessene Briefe und erinnert sich an eine junge Frau namens Caroline, die er geliebt hat. Es geht in dem Song darum, sich an diese verlorene Liebe zu erinnern. Für mich ist „Caroline” ein Schlüsselsong, er veranschaulicht meine Entwicklung als Songwriter und Geschichtenerzähler.

Du erzählst Geschichten, die zum Teil weit in der Vergangenheit liegen. Schmökerst Du in dicken Historienwälzer, um Dir Inspiration zu holen?

In unserer Generation ist das Internet ein nicht versiegen wollender Quell an Informationen. Manchmal entzünden aber auch Filme, Dokumentationen und Zeitungsartikel ein Interesse in mir. Oder aber ein Ausstellungsplakat, wie es bei meinem Song „London’s Rose” der Fall ist. Es hing in der U-Bahn und ich war sofort angetan. Nachdem ich die Ausstellung gesehen hatte, schrieb ich den Song über die Londoner U-Bahn, die während des Zweiten Weltkrieges als Luftschutzbunker verwendet wurde.

Stimmt es, dass Du Tür an Tür mit PJ Harvey gewohnt hast?Douglas_Dare_01

Dort, wo ich aufgewachsen bin, bedeutet „Tür an Tür” ein paar Kilometer weiter auf der nächsten Farm. Wir hatten keine direkten Nachbarn, aber Polly Jean lebte die Straße hoch. Erst auf der Universität wurde mir ihre internationale Berühmtheit vor Augen geführt. Dabei traf ich sie doch im Supermarkt, wenn sie Milch kaufte… Es inspirierte mich, dass jemand aus dem selben Bauerndorf wie ich in die Welt hinausgezogen war, um erfolgreich Musik zu machen.


Was war die erste Platte, die Du Dir gekauft hast?

Mit acht besorgte ich mir von meinem Taschengeld eine Kassette von Burt Bacharachs Greatest Hits. Das war damals das einzige, was ich mir leisten konnte. Erst eine gefühlte Ewigkeit später bemerkte ich, was für eine großartige Platte das war. Mein erster gezielter Kauf war ColdplaysParachutes”. Nachdem ich „Trouble” und „Yellow” im Radio gehört hatte, wollte ich dieses Album unbedingt besitzen.

Und was war die schlechteste Platte, die Du Dir jemals gekauft hast?

(überlegt lange, druckst herum)  Da fällt mir schon eine ein, aber ich möchte hier niemanden vor den Kopf stoßen, der den Künstler oder die Platte toll findet. Ich gehe oft in meinen lokalen Plattenladen und hole mir neue Alben, manche davon sind weniger gut. Ein Guilty-Pleasures-Album ist das von Aqua. Es ist schrecklich, aber macht irgendwie auch Spaß.

Du wirst im Sommer einige Festival-Shows spielen. Freust Du Dich darauf?

Ich liebe Festivals und würde gerne noch mehr davon spielen. Viele Jahre war ich als Besucher auf Festivals. Als ich plötzlich als Künstler gebucht wurde und Backstage durfte, war das ein riesen Spaß.

Welche Backstage-Begegnung ist Dir besonders in Erinnerung geblieben?

Wir spielten auf dem Phil Day Festival in London und ich traf James Blake. Das war zu einem Zeitpunkt, als er gerade so richtig durchstartete. Er ist total groß und ich bin ziemlich klein. Ich erinnere mich daran, dass mir das ein bisschen peinlich war. (lacht)

Die letzte Frage stellen wir fast immer: Was ist Dein Lieblingsgeräusch?

Ich liebe das Geräusch, wenn ein Auto über Kies fährt.

Vielen Dank, Douglas, wir freuen uns sehr auf Deine Spotify Session!

 

GusGus: Back to the 80s

GusGus_Presspic
GusGus gelten als Veteranen der elektronischen Tanzmusik. 1995 in Reykjavik gegründet, veröffentlichte die Band auf verschiedenen Indie-Labels und mit wechselnder Besetzung acht Alben. Heute erscheint auf dem Kölner Elektro-Label Kompakt Album Nummer neun: „Mexico”. Die Isländer erwecken darauf die Achziger zu neuem Leben. Birgir „Biggi” Pórarinsson, der für den Sound der Band verantwortlich ist, verriet uns mehr über die neue Platte und stellte zwei Playlists mit seinen größten musikalischen Einflüssen zusammen.

Hi Biggi, was genau ist Deine Aufgabe in der Band GusGus?
Ich bin Produzent. Falls mal absolute Not am Mann ist, kann ich auch ein paar Vocals singen, aber normalerweise hämmere ich die Tasten meines Keyboards. Dieses ist entweder mit einem Modular Synthesizer oder mit Drum Samples verbunden. Gemeinsam mit meinen Freunden arrangieren wir aus dem „Gehämmere” dann Songs.

Wenn Euer neues Album „Mexico” eine Landschaft wäre, wie sähe diese aus?
Wie der Berg Esja, der sich über meiner Heimatstadt Reykjavik erhebt. Ich kann mich nicht an ihm sattsehen. Jedes Mal, wenn ich ihn anblicke, entdecke ich neue Details.

Euer letztes Album, „Arabian Horse”, wurde in einem kleinen Landhaus in einer isländischen Lavawüste aufgenommen. Wurde das für „Mexico” auch in Anspruch genommen?
Ja, einen Teil des Albums produzierten wir in diesem kleinen Ferienhaus im isländischen Hochland. Die Basis der Songs „Crossfade”, „Sustain” und „Another Life” entstand dort. Fertiggestellt wurden sie, wie alle anderen Nummern auch, in unserer wundervollen Heimatstadt Reykjavik. Zwei Tracks auf dem Album entstanden aus zehn Jahre alten Demos.

Was ist Dein Lieblingssong auf dem Album?
Das ist der Song „Sustain”. Ich bin sehr vom New Wave Sound der frühen 80er beeinflusst, das spiegelt sich in dieser Nummer wider. Sie klingt so, als hätte damals jemand vergessen, sie zu schreiben. Aber eigentlich sind alle Lieder auf dem Album meine Lieblingssongs. Mein einziges Ziel ist es, immer wieder mein nächstes Lieblingsalbum zu schreiben.

Nächstes Jahr feiert die Band ihr 20-jähriges Jubiläum. Hattet Ihr von Anfang an die Vision eines Projekts mit Geschichte und Tradition?
Wir hatten absolut keine Vision. Meine Kumpels und ich waren viel zu sehr damit beschäftigt unsere Musik weiter zu entwickeln und haben uns nicht mit der Frage beschäftigt, wo wir unsere Band in 20 Jahren sehen.

Was ist der beste Weg, um Jubiläen zu feiern?
Ein Negroni, oder vielleicht auch zwei davon.

In Eurem Pressetext steht, Euer neues Album sei „ein weiterer Schritt in die Zukunft hymnischen Pops.” Was ist die beste Pophymne aller Zeiten?
Uff…. das ist ganz schön schwer, es gibt viel zu viel großartiges Zeug da draußen. Jedes Jahrzehnt ist vollgepackt mit atemberaubend guter Musik, die auch heute noch Relevanz hat. Aber lass mich nachdenken: Eine Pophymne braucht auf jeden Fall eine gleichförmige Bass Drum, Percussion, die Laune macht, eine funky Bass Line, eingängie Synthies, einen homosexuellen Sänger und dumme Texte über Liebe. Das trifft alles auf „Lady of Ice” von Fancy zu.

Du hast mit „My Way to Early Influences” und „Early Influences” zwei tolle Playlisten kompiliert, die mit uns in die 80er Jahre zurückreisen.
Ich habe in den Tiefen Spotifys nach meinen frühen musikalischen Einflüssen gegraben und ihnen in meinen Playlists neues Leben eingehaucht.

Was ist Dein Lieblings-Geräusch?
Das Brummen meines ARP 2600 Synthesizers.

In Folge erklärt Biggi für normale Menschen völlig unverständliche Dinge von „Lin FM Eingängen” und „Ring Mods”. Jedes Geräusch motiviert ihn zu neuen Soundexperimenten. Einige tolle Resultate dieser Experimente gibt es auf dem neuen Album namens „Mexico” zu hören.

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HUNDREDS: Soundtüftler aus Hamburg

SpotifyDie Hamburger Geschwister Eva und Philipp Milner lassen Privates lieber außen vor und stattdessen ihre Musik für sich sprechen: Hundreds bieten sphärische Arrangements, minimalistische Elektronik und große Popmomente. Mit ihrem neuen Album „Aftermath” im Gepäck haben uns Eva und Philipp Milner Anfang März einen Besuch im Berliner Office abgestattet und eine Spotify Session performt.

In ungewohntem Rahmen boten Hundreds eine hochkonzentrierte Show: Eva am Gesang, der studierte Jazz-Pianist Philipp an den Tasten und ein dritter Musiker als elektronische Unterstützung. „Es war wie eine Mischung aus Akustik-Show und richtigem Konzert”, sagte Eva sichtlich entspannt, als sie sich zu uns auf die Couch setzt. „Anfangs fühlte es sich ein bisschen ungewohnt an, ein Konzert bei Tageslicht und Zimmerlautstärke zu geben. Normalerweise wackelt die Bühne von den Bässen”, fügt ihr älterer Bruder Philipp hinzu und nimmt neben Eva Platz.

Gerade haben sie von dem Top 50 Charteinstieg ihres zweiten Albums „Aftermath” erfahren und freuen sich über diesen beachtlichen Erfolg für eine, wie sie selbst sagen, kleine Indie-Band. Vier ganze Jahre ließen sie sich Zeit, um einen Nachfolger zu ihrem vielbeachteten Debütalbum „Hundreds” zu veröffentlichen. „Bei uns ist das alles ein Prozess”, erklärt Eva die Tüftelei im Studio, „wir sind Musiker, Songwriter und Produzenten in einer Person – das ist ein sehr vielschichtiges Arbeiten.” Manchmal dauere es Monate bis zur Fertigstellung einer Nummer. Andere schaffen es erst gar nicht auf ein Album: „Manche Songs funktionieren einfach nicht. Wir brauchen die Bereitschaft, den Song immer und immer wieder hören zu können. Wenn er nach dem 20. Mal nervt, dann machen wir lieber ein neues Lied.”

SpotifyApropos Songwriting! Wir stellen eine Nerd-Frage, die uns schon schlaflose Nächte bereitet hat: Ist die Ähnlichkeit zwischen der Twin Peaks Titelmelodie und dem Intro des Songs „Circus” eigentlich eine bewusste Hommage oder reiner Zufall? Philipp lacht: „Das war tatsächlich keine Absicht! Jemand von unserem Label hat uns erstmals darauf aufmerksam gemacht. In meinem Alter kann man schlecht behaupten, Twin Peaks nicht zu kennen. Aber ich habe mir die Serie wirklich erst später angesehen und finde sie wirklich gut, spannend und gruselig.” Wir finden auch: Twin Peaks und Hundreds, das passt eigentlich.

Gegen Ende des Gesprächs wird es dann noch ein bisschen privater: Hundreds bezeichnen sich als „klassischer Familienbetrieb” und dieser geht über die Band hinaus: „Alle machen so ein bisschen mit”, erzählt Eva. „Wir haben in Philipps Wohnhaus aufgenommen, da ist auch seine Familie beteiligt. Auch meine kleine Familie hilft mal mit – das ist schon ein Projekt, das auf viele kleine Bereiche abstrahlt.” „Wir kriegen auch viel guten Zuspruch von unseren Eltern”, fügt Philipp hinzu. Er schmunzelt: „Allerdings haben wir auch erst relativ spät mit der Band begonnen. Wenn wir mit 17 gesagt hätten, dass wir Stars werden wollen, hätten sie vielleicht schon anders geguckt.”

Vermutlich sind Evas und Philipps Eltern sehr stolz, wenn sie sich die bezaubernde Office Session ihrer Kinder anhören. Wir freuen uns jedenfalls, so tolle Gäste gehabt zu haben.

 

 

 

THE HEAD AND THE HEART: „Die Szene in Seattle ist ein sehr nahrhafter Boden für Musiker.”

The Head And The Heart Spotify Session BerlinIm Zuge ihrer letzten Europa-Tour haben uns die US-amerikanischen Folk-Rocker The Head And The Heart einen Besuch im Berliner Office abgestattet. Die Vorfreude auf das Sextett war groß, und die fünf Herren und die Dame aus Seattle wurden ihrem Ruf als exzellente Liveband absolut gerecht.Ganz besonders ragt der dreistimmige Gesang der Sänger Jonothan, Josiah und Charity heraus, der gepaart mit den eingängigen Harmonien und Melodien ein energetisches Gesamtkunstwerk ergibt. Bevor The Head And The Heart die bis zum letzten Quadratzentimeter mit Instrumenten vollgestellte Bühne betreten, setzen wir uns mit Jonathan Russel in eine ruhige Ecke, um über die Band zu plaudern.

Es ist nicht Euer erstes Mal in Deutschland. Welche Erfahrungswerte oder gar Klischees kommen Dir in den Sinn, wenn Du an das deutsche Publikum denkst?

Natürlich ist ein Klischee nie zu einhundert Prozent wahr, aber ich habe die Erfahrung gemacht, dass das deutsche Publikum sehr zurückhaltend ist. Das ist ein großer Unterschied zu den USA, wo Menschen zu unserer Musik abgehen, auch wenn sie uns nicht kennen. Wir haben live sehr viel Energie und wenn diese nicht erwidert wird, dann ergibt das einen fühlbaren Kontrast. Wenn sich die Menschen im Publikum zu Deiner Musik bewegen, bekommst Du als Musiker die Gewissheit, etwas richtig zu machen. Ist das nicht der Fall – wie in Deutschland – dann wird man unsicher und fragt sich: „Mögen die unsere Musik überhaupt?” Aber nach der Show kommen dann Leute auf uns zu, sagen, dass ihnen das Konzert gefallen hat und sind sehr wohlwollend. Das ist einfach ein kultureller Unterschied.

Die Anfänge von The Head And The Heart sind in einer Bar in Seattle zu verorten, wo Ihr bei Open-Mic-Veranstaltungen aufgetreten seid. Was war das für eine Zeit?

Damals waren wir noch keine vollständige Band – nur Josiah, der andere Sänger von The Head And The Heart, Painist Kenny und ich. In jeder freien Minute haben wir uns im Proberaum verschanzt, sind dann an die Arbeit gegangen und haben uns nachts bei Open-Mic-Sessions getroffen. Wir haben bemerkt, dass wir einen Ticken mehr Applaus bekommen als die anderen Künstler und dass unsere Songs und die Art, wie wir spielten, beim Publikum größeren Anklang fand. Das hat uns in unserem Selbstbewusstsein bestärkt. Die Szene in Seattle ist ein sehr nahrhafter Boden für Musiker. Vielleicht wären wir in New York, Nashville oder Chicago nie so weit gekommen, wer weiß.

Jonathan Russel, The Head And The HeartSeattle ist für Musiker ein mystischer Ort, immerhin wurde die Grunge-Bewegung dort gestartet. Dennoch kommen die wenigsten USA-Reisenden dort hin…

Seattle ist buchstäblich das genaue Gegenteil von Florida, dem Bundesstaat, in dem ich aufgewachsen bin. Ich war davor noch nie an der Westküste, deshalb fühlte sich die Stadt anfangs sehr surreal an, beinahe wie ein komplett anderes Land. Ich kam im Februar an, es regnete durchgehend und war um halb fünf Uhr abends schon dunkel. Ich fühlte mich miserabel, deprimiert und war komplett pleite. Solche Situationen können für Musiker sehr inspirierend sein. Ich habe viel Wein getrunken, bin nachts mit Kopfhörern durch die Straßen gezogen und habe Songs geschrieben.

Muss hart gewesen sein, von Florida ins verregnete Seattle zu ziehen.

Ja, aber nicht nur wegen des Wetters, es gibt auch Unterschiede in der Mentalität der Menschen. Ich war ein kleiner Junge vom Land und sehr naiv. In Virginia wird man von jedermann auf der Straße gegrüßt, in Seattle ist das anders: Es dauert hier eine Zeit, bis sich die Menschen öffnen und man mit ihnen ins Gespräch kommen kann. Als Musiker hat man es da ein bisschen leichter, man ist schnell Teil einer Community.

Seit der Veröffentlichung Eures Debütalbums in 2011 habt Ihr Euch eine große Fangemeinde erarbeitet. Das spiegelt sich auch in den Streams auf Spotify wider: „Lost In My Mind” wurde bereits über 8 Millionen Mal gestreamt.

Was, echt? Das wusste ich gar nicht! Ich nehme an, das ist ein gutes Zeichen. Ich bin kein Technologie getriebener Mensch und beschäftige mich nicht mit solchen Dingen. Aber ich weiß, dass viele Menschen Streamingdienste nutzen um neue Musik zu entdecken.

Wo entdeckst Du neue Musik?

Meistens durch Mundpropaganda, obwohl ich zugeben muss, dass mich neue Bands eigentlich nicht interessieren und deshalb viel Überzeugungsarbeit geleistet werden muss. Es gab so viele großartige Künstler vor unserer Zeit, ich stehe total auf alten Jazz. Ein guter Weg, sich mit Jazz zu befassen, ist Bücher zu lesen. Ich habe in der Biografie über Miles Davis mehr über John Coltrane und Charles Mingus erfahren und angefangen, mich mit diesen Musikern zu beschäftigen.

Ich konnte vorhin einen Blick auf Eure Setliste erhaschen. Ihr beginnt die Office Session heute mit „Another Story”. Was ist die Geschichte hinter diesem Song?

Dieser Song ist einer, der mir besonders wichtig ist. Die Entstehungsgeschichte ist sehr traurig: Es geht um einen Amoklauf in einer Grundschule in New Haven, Connecticut.Die öffentlichen Radiostationen haben nach dem Massaker wochenlang darüber berichtet und viele Interviews mit Eltern gesendet. Zwischendurch musste ich einfach das Radio ausschalten, weil es mich so mitgenommen hat. Ich wollte etwas tun, einen hilfreichen Beitrag leisten, also begann ich diesen Song zu schreiben. Nachdem „Another Story” veröffentlicht war, haben wir einige E-Mails von Eltern erhalten, die ihre Kinder verloren hatten. Es war ein sehr ernüchterndes Gefühl, das schwer in Worte zu fassen ist. Man konnte ihre Stimmen förmlich durch ihre E-Mails hören. Fast hätte ich den Song nicht fertig gemacht, weil ich daran zweifelte, ob ich überhaupt ein Recht dazu hatte.

Danke für das Gespräch, Jonathan, wir freuen uns schon sehr auf Eure Office Session!

 

 

Oliver Koletzki: „Ich könnte auch gewollt Musik machen – wie David Guetta.”

Oliver Koletzki 02

2005 erlangte Oliver Koletzki mit „Der Mückenschwarm” internationale Bekanntheit und galt als Newcomer der Stunde. Mit der Veröffentlichung seines ersten Albums „Get Wasted” zementierte er seinen Ruf in der Szene, spiele Gigs in allen wichtigen europäischen Clubs und war Resident in der legendären Bar 25. Heute, neun Jahre später, erscheint Oliver Koletzkis fünftes Studioalbum „I am OK”. Er führt darauf das fort, was er bei den beiden „Großstadtmärchen”-Alben begonnen hat: klassische Songstrukturen und eingängige Stücke, performt von unterschiedlichen Sängerinnen und Sängern. Wir haben den Produzenten, DJ und Labelbetreiber Oliver Koletzki getroffen, um mehr über sein neues Werk in Erfahrung zu bringen.

Du bist Chef des Labels “Stil vor Talent” und bringst Dein neues Album dennoch auf einem Majorlabel raus. Was hat Dich dazu verleitet?

Das ist tatsächlich schon das zweite Album, das ich auf einem Major veröffentliche. Universal hat mir vor drei Jahren ein Angebot gemacht und ich habe angenommen. Es war keine leichte Entscheidung. Stil vor Talent ist über die Zeit so gewachsen, dass wir auch größere Themen selbst stemmen könnten. Aber Majorlabels haben einfach mehr Kohle und können viel mehr für Videos ausgeben. Auch in Sachen Promo- und Marketingmaßnahmen sitzen sie am längeren Hebel. Sie wissen aber um unsere Stärken bei Stil vor Talent Bescheid: Unser Comiczeichner ist für das Artwork verantwortlich und auch die Videos wurden von unserem Team gemacht. Deshalb ist der Unterschied in der Außenwirkung gar nicht so groß.

Du bist Labelboss und Künstler in einer Person. Ist das manchmal ein bisschen schizophren?

Manchmal ist das wirklich schwierig. Bei Stil vor Talent bin ich der große Labelboss und A&R, der sagt: „Du, mit dem Album bin ich noch nicht zufrieden, da musst du nochmal ran.” Jetzt muss ich Fiete Klatt, meinem A&R bei Universal, mein Werk präsentieren und bin teilweise in einer Überzeugungsposition. Ich muss ihm verkaufen, woran ich ein Jahr lang schwer gearbeitet habe. Wir verstehen uns aber gut und sind auch privat befreundet, deshalb gab es keine großen Reibungspunkte.

Bist Du selbst Dein größter Kritiker?

Ich bin kein Perfektionist, aber schon selbstkritisch und setze mich selbst total unter Druck. Von Jahr zu Jahr hörenmir mehr Leute zu. Ich möchte meinen treuen Fankreis nicht enttäuschen. Mir geht es nicht so sehr um Verkaufszahlen, ich möchte einfach gute Arbeit abliefern und meinem Sound treu bleiben. Bevor ich ein Album veröffentliche, spiele ich es meinen Freunden vor, die mich seit vielen Jahren begleiten. Ich bin kein beratungsresistenter Mensch und nehme ihre Kritik auch an.

Oliver Koletzki 01Du wolltest für dieses Album wieder Tracks machen, die Du auch selbst auflegen kannst. Gehst Du das konzeptionell an oder lässt Du auch mal laufen?

Ich gehe in mein Studio, spiele ein bisschen am Klavier, setze mich an den Drumcomputer und mache Beats. Es kommt alles auf natürliche Weise aus mir heraus. Ich darf auf keinen Fall verkrampfen, sonst klappt es nicht. Wenn ich Musik mache, passiert alles von ganz alleine. Ich habe einen gewissen Bekanntheitsgrad und könnte auch gewollt Musik machen wie David Guetta. Ich wäre technisch in der Lage dazu und diese Art von Musik würde sich wahrscheinlich auch besser verkaufen. Aber das möchte ich einfach nicht. Die Leute sollen mir meinen Sound auf jeden Fall abnehmen.

Hast Du eine Lieblings-Kollaboration auf Deinem neuen Album?

Die Indie-Band Nörd bzw. der Sänger Leo sind mit zwei Tracks vertreten und das hat auch einen Grund: Die Zusammenarbeit war mega! Er konnte eine gewisse Traurigkeit und Melancholie umsetzen, die mir sehr gut gefallen hat.

Überlässt Du das Texten immer Deinen Gastsängern oder machst Du das auch mal selbst?

Ich kann nicht mal ein vierzeiliges Gedicht schreiben! Davon in ich also weit entfernt. Meine Sänger sollen eigenständige Künstler bleiben und aus dieser Symbiose entsteht etwas Neues, Spannendes. Manchmal war es so, dass ein Sänger meinem Instrumental eine ganz neue Richtung gegeben hat. Ich gebe schon Tipps, lasse ihnen aber ansonsten freie Hand.

Nach welchen Kriterien wählst Du Deine Sänger aus, die auf Deinem Album zu hören sind?

Ich wähle nur Leute aus, die ich auch kenne und von denen ich weiß, dass sie menschlich cool sind. Ich setze nicht wie andere auf Namedroppings und hole mir möglichst bekannte Namen als Vokalisten, wie es zum Beispiel WestBam auf seinem letzten Album gemacht hat. Ich achte auch bei Stil vor Talent drauf, dass ich keine Prinzessinnen oder arrogante Menschen auf meinem Label habe, das ist mir unglaublich wichtig. Ich muss ja mit denen zusammen arbeiten und zusammen auftreten. Bodenständige und bescheidene Menschen sind mir sehr lieb.

Wie findest Du etwas über die Persönlichkeit eines Künstlers heraus, den Du interessant findest?

Im Moment müssen wir bei Stil vor Talent gucken, dass wir nicht zu schnell wachsen. Ich möchte nicht Gefahr laufen, dass ich Künstler zu schnell unter Vertrag nehme. Wenn uns einmal einer zusagt, laden wir ihn ins Büro ein, wir unterhalten uns und ich stelle ein paar Schlüsselfragen um zu sehen, was das für ein Charakter ist. Dann buche ich ihn meistens schon mal für eine Party im Watergate oder so und nötige ihn, bis zum nächsten Morgen zu bleiben und mit mir ein paar Bier zu trinken.

Leidet Dein Privatleben darunter, dass Du in so vielen Funktionen aktiv und unterwegs bist?

Über die Jahre lernt man, dass gutes Zeitmanagement alles ist und dass Rituale wichtig sind. Meine Wohnung ist nur fünfzig Meter vom Büro entfernt. Um zehn Uhr haben wir täglich ein Meeting, danach fahre ich zum Schlesischen Tor in mein Studio. Abends achte ich darauf, den Laptop und das iPhone wegzulegen und verbringe Zeit mit meiner Frau Fran und meinem Hund. Manchmal gucken wir einfach ganz plump Fernsehen und sonntags gehen wir auch gerne mal auf den Flohmarkt.

 

 

 

William Fitzsimmons: „Manchmal mache ich Terroristenwitze!”

William Fitzsimmons 01„Ich habe heute Nacht nicht so viel Schlaf abbekommen”, entschuldigt sich William Fitzsimmons, als wir ihn zum Interview treffen. Es sei im verziehen, ist es doch erst zehn Uhr morgens. Sehr früh für jemanden, der tags zuvor bis Mitternacht ein Konzert im Berliner Postbahnhof gegeben hat und wenige Stunden später schon wieder auf einer (bedeutend kleineren) Bühne steht, um den optimalen Sound für seine Spotify Session zu checken. Nichtsdestotrotz ist er ein toller Gesprächspartner: William Fitzsimmons ist besonnen, witzig und sehr zuvorkommend. Bevor wir loslegen, bietet er uns noch Kaffee und Croissants an.

Wieso bist Du müde? Hast Du Schlafprobleme, wenn Du auf Tour bist?

Ja. Zu Hause schlafe ich sehr tief, umgeben von meiner Familie. Unsere Tochter schläft im Bett bei mir und meiner Frau. Vielleicht schlafe ich seit ihrer Geburt weniger als früher, aber es ist wunderbar, sie bei mir zu haben. Wenn ich alleine im Bett liege, dann frage ich mich oft: „Wo sind sie alle?”

Bist Du eigentlich ein Morgenmensch?

Das bin ich wirklich, schon von frühester Kindheit an. Auch während meiner Zeit auf der Highschool und dem College war ich ein Frühaufsteher. Ich wache einfach von Natur aus sehr früh auf. Es fällt mir schwer, nach neun Uhr abends noch wach zu bleiben. Ich bin einfach ein alter Mann, der an diesem ganzen Musiker-Ding jetzt teilnehmen darf. Obwohl mir dieser Lebensstil Spaß macht, bin ich eigentlich nicht dafür gemacht.

Du beschreibst Dein 2013 veröffentlichtes Album „Lions” als eine Reise zu dir selbst. Welche Geschichte liegt dieser Aussage zugrunde?

Ich konnte auf natürlichem Weg keine Kinder bekommen, also befasste ich mich mit der Idee von Adoption. Die Initialzündung für das Album war der Zeitpunkt, als ich die biologische Mutter meiner Tochter traf, sie kennenlernte und eine platonische Beziehung zu ihr aufbaute. Der Moment, als sie sich im Krankenhaus von ihrem Kind verabschieden musste, ist in jedem einzelnen Song des Albums zu spüren. Es ist ein extremes Gefühl, ich musste in meinem Leben noch nie so viel weinen. Dennoch ist „Lions” ein sehr freudiges Album und das hellste Ding, das ich jemals hervorgebracht habe. Es geht darum, dass etwas gleichzeitig sehr liebevoll und verwirrend sein kann.

Das ist doch durchaus erfreulich. Was hältst Du vom Mythos des leidenden Künstlers? Muss man leiden, um etwas Großes zu erschaffen?

Natürlich kreiert Leiden große Kunst, aber jede andere Emotion auch. Nehmen wir „Vier Jahreszeiten” von Vivaldi: In „Frühling” ist so viel Freude zu spüren, dass es fast lächerlich ist. Vivaldi war ganz bestimmt nicht deprimiert, als er dieses Werk komponiert hat. Ein anderes Beispiel ist Händels „Messias”: „Denn die Herrlichkeit Gottes” ist ein sehr frohes Stück. Die Vorstellung vom leidenden Künstler hat mich eine Zeit lang ziemlich gefangen genommen. Ich habe mich sehr von Nick Drake angezogen gefühlt, alle seine Biografien gelesen und Dokumentationen gesehen. Aber wäre es nicht viel cooler, wenn es ihm wieder besser gegangen wäre, er weiterhin Musik gemacht und sich der Herausforderung gestellt hätte, wieder gesund zu werden? Ich habe eine Entscheidung für mich getroffen, als ich damit begonnen habe, Prozac zu nehmen. Sagt Euch das was?

Prozac ist ein Antidreppressivum, aber wir wussten nicht, dass Du es nimmst.

Seit einigen Jahren schon, ich bin auch zur Therapie gegangen und es hat mein Leben verändert. Ich war selbst ein Psychotherapeut, ich hätte es wissen müssen und diese Hilfe schon viel früher in Anspruch nehmen sollen. Plötzlich war nicht mehr alles um mich herum einfach nur schwarz und schrecklich. Der Unterschied zu heute ist, dass ich die Komplexität meiner Gefühle wieder schätzen kann. Ich muss nicht einfach in meiner Krankheit versinken.

William Fitzsimmons 02Du hast einmal in einem Interview gesagt, dass Humor eine gute Bewältigungsstrategie ist. Welche Art von Humor schätzt Du?

Manchmal mache ich Terroristenwitze auf der Bühne, das sagt eigentlich alles. Es gab schon Situationen, wo ich zu weit gegangen bin. Ich bin ein sehr sarkastischer Mensch, das ist nicht immer nett und ich bin nicht gerne gemein. Allerdings mag ich Menschen, die an diesen Grenzen rütteln. Ricky Gervais finde ich zum Beispiel toll.

Wo entdeckst Du neue Musik?

Entweder ich höre einen Song im Radio oder gehe in einen Plattenladen. Ja älter man wird, desto seltener passiert das aber. The National waren die letzte Band, die ich ganz groß fand. Das war ein ganz besondere Moment, ich hasste The National eigentlich für eine lange Zeit. Ich habe mich immer gefragt: „Warum singt der so?” Am Flughafen Heathrow ist mir dann plötzlich „High Violet” in die Hände gefallen und jetzt bin ich ein großer Fan.

Wer hat eigentlich das Privileg, Deine Songs als allererstes zu hören?

Meine Tochter Josie. Ich habe das gesamte Album geschrieben, während ich mich um sie gekümmert habe – immer von frühmorgens bis spätnachmittags, damit meine Frau ausschlafen konnte. Ihr müsst wissen: Ich bin ein großartiger Dad. Ich habe meine Gitarre genommen und mich mit Josie auf die Terrasse gesetzt. Dann habe ich gespielt und ihr vorgesungen – sie mag nicht alles, was sie zu hören bekommt und manchmal zeigt sie mir, dass ich aufhören soll. Josie ist ein guter Parameter dafür, ob etwas schön klingt. Sie steht auch auf Popmusik.

Was machst Du, wenn sie als Teenager total auf einen Nachfolger von Justin Bieber abfährt?

Dann fahre ich sie und ihre Freundinnen zu einem Justin Bieber Konzert! Ich bin kein Musiksnob – wenn Dir eine bestimmte Musikrichtung gefällt, dann ist das gut so. Und wenn jemand anderes sagt, dass etwas scheiße ist, was kümmert es Dich? Ich war da früher ein ziemlicher Arsch und dachte, ich wäre so viel besser als alle anderen. Aber ich verstehe „Finnegans Wake” von James Joyce auch nicht, wer tut das schon. Wer bin ich also, dass ich sage, was die richtigen Bücher oder die richtigen Platten sind? Obwohl es aus kultureller Sicht schon Dinge gibt, die eine größere Bedeutung haben. Wenn eine Zombie Apokalypse passiert, sollten wir vielleicht doch lieber die Brandenburgischen Konzerte und nicht das letzte Justin Bieber Album retten. Was nicht heißen soll, dass nicht beides seine Berechtigung hat. Für manche hat Justin Bieber einen großen Wert – aber hoffentlich nicht für meine Tochter (lacht).

 

Sollte es jemals zu einer Zombie Apokalypse kommen, würden wir auf jeden Fall auch William Fitzsimmons Spotify Session retten. Die ist nämlich wunderschön geworden und wird noch viele Generationen nach uns erfreuen!

 

 

 

 

 

 

 

 

MILOW: “Ich bin ständig auf der Suche nach neuer Musik”

Der belgische Singer-Songwriter Milow beehrte uns vor wenigen Wochen mit einer Office Session. Obwohl sein Tag mit Dreharbeiten durchgeplant war und er direkt vom Soundcheck kam, plauderte er entspannt über sein neues Album „Silver Linings“, seinen Hit „Ayo Technology“ und Menschen, die ihn erden.   

SpotifyHallo Milow! Stimmt es, dass Du eine Auszeit vom Musikbusiness genommen hast?

Als Künstler möchte man natürlich niemals das gleiche Album zweimal machen, deshalb habe ich mir andere Rahmenbedingungen geschaffen. Ich musste meine „Comfort Zone” verlassen und habe einen Flugzeug nach Los Angeles genommen ohne zu wissen, ob ich dort für ein paar Wochen, Monate oder gar Jahre bleiben würde. Eigentlich wollte ich eine Pause nehmen, aber plötzlich spürte ich wieder das Verlangen, Konzerte zu geben. Ich spielte im ganz kleinen Rahmen, eigentlich nur für mich selbst und für ein Publikum, das rein gar nichts von mir oder meiner Musik wusste – das war sehr erfrischend!

Hast Du einen persönlichen Lieblings-Song am Album?

Textlich gesehen ist es sicher „My Mothers House”, es ist eine sehr persönliche Geschichte über meine Vergangenheit. Es geht um mein Elternhaus in Belgien, in dem ich aufgewachsen bin. Das Lied ist das letzte auf dem Album, ich finde Schlussnummern sind eine ganz eigene Kategorie Songs. Ich werde „My Mothers House” auch bei der Office Session performen.

Lass uns ein bisschen über Deine musikalischen Einflüsse sprechen: Welche Bands hörst Du gerade?

Das ändert sich eigentlich jede Woche, ich bin ständig auf der Suche nach neuer Musik. Mighty Oaks aus Berlin habe ich kürzlich entdeckt – ein großartige Band. Außerdem habe ich das letzte Album von Tegan And Sara wiederentdeckt. Ansonsten höre ich gerade die großartigen The Head And The Heart und eine junge Sängerin namens Courtney Marie Andrews, die auch auf meinem neuen Album singt. Hoffentlich wird sie mich im Sommer auf Festival-Tour begleiten.

Und wo entdeckst Du neue Künstler und Songs?

Auf Spotify, diese „Ähnliche Künstler”-Funktion kann ganz schön süchtig machen.

Guckst du eigentlich auf Dein eigenes Spotify-Profil? Weißt Du, dass „Ayo Technology” über 26 Millionen Mal gestreamt wurde?

Ja, manchmal checke ich das schon. Es ist cool zu sehen, welche Songs bei den Menschen da draußen am besten ankommen. Aber es gibt einen Grund, warum „Ayo Technology” so viele Streams hat: Als Spotify 2009 gelauncht wurde, war der Song gerade auf Platz eins in den schwedischen Charts. Am Jahresende war die Nummer dann unter den am meisten gestreamten Songs weltweit. Ich habe keine Ahnung, ob ich jemals wieder einen Song schreiben werde, der so viele Streams generiert, aber ich versuche es. Ich möchte Songs schreiben, an die sich die Menschen lange Zeit erinnern.

Was ist Dir persönlich eigentlich am wichtigsten im Leben?

Familie und Musik stehen natürlich ganz vorne. Was mir aber auch wichtig ist, ist sich selbst treu zu bleiben. Ich erachte Veränderung als etwas sehr Gutes und ich sporne mich selbst immer dazu an, mich weiter zu entwickeln. Aber es gibt einen Teil in mir als Musiker und Mensch, der sich nicht verändert. Ich hoffe, dass ich meine Meinung darüber nicht ändere und mir eine Woche später denke: „Ich hätte etwas anderes sagen sollen!”

Hast Du Menschen, die Dich am Boden halten?

Mein Gitarrist Tom ist so jemand (grinst zum Nebentisch, wo Tom sitzt). Ich bin auf ihn angewiesen, sonst läuft das aus dem Ufer. (You suck!” schallt es scherzhaft retour.) Nach jedem Konzert hält er mir einen Vortrag darüber, was ich alles falsch gemacht habe…

Netter Typ, Dein Gitarrist!

Nein, im Ernst: Ich verbringe sehr gerne Zeit mit meinen Brüdern, meiner Schwester und Freunden, die ich schon kannte bevor ich angefangen habe, Musik zu machen. Das erdet eigentlich schon sehr. Wir sind nicht von Menschen umgeben, die uns Honig ums Maul schmieren. Im Gegenteil, manchmal könnten man uns durchaus mehr Respekt entgegen bringen (lacht).

Milow und sein Gitarrist Tom werfen sich noch ein paar lockere Sprüche zu, als wir unseren Kram zusammenpacken und den Backstageraum verlassen. In wenigen Minuten beginnt die Office Session und Humor scheint eine gute Strategie zu sein, der aufkeimenden Nervosität zu begegnen. Mit eine großen Portion Charme und Witz begegnen die Jungs auch den einhundert Fans, die sich vor der Bühne versammelt haben. Sich auf seine musikalischen Wurzeln zu besinnen, ganz akustisch und ohne großen Firlefanz ein Konzert zu spielen, kann so erfrischend sein.

 

 

 

 

 

S O H N: Newcomer der Stunde

SOHNEs ist Sonntagnachmittag, die Glocken der St. Clara Kirche in Berlin-Neukölln läuten zum Abendgottestdienst. S O H N sitzt in einen schwarzen Umhang gehüllt auf einer Bierbank und durchforstet die Speisekarte des Café Rix. In wenigen Stunden wird er nebenan, im restlos ausverkauften Heimathafen, ein Konzert spielen. Draußen auf der Karl-Marx-Straße parkt ein schwarzer Nightline. „Der Bus hat 14 Betten und zwei Lounges”, erzählt S O H N und entscheidet sich für die Kartoffel-Gnocchi (gute Wahl!). Davor waren Rihanna und Drake damit auf Tour, die anfangs fühlbare sexuelle Energie verschwand aber innerhalb eines Tages.

Der Sänger und Produzent S O H N ist einer der derzeit angesagtesten Acts und wird als Newcomer der Stunde gefeiert. Über seine Biografie ist nur wenig bekannt. Immerhin weiß man, dass er die letzten Jahre in Wien gelebt hat und ursprünglich aus Südlondon stammt. Im August 2012 entließ er den Track „The Wheel” in die digitale Welt und von da an ging es auf der Karriereleiter steil bergauf. Kürzlich erschien sein mit viel Vorschlusslorbeeren bestücktes Debütalbum „Tremors”.

Du wünscht Dir von „Tremors”, dass es bei den Hörern Erinnerungen erzeugt. Wenn Du an durch Musik hervorgerufene Flashbacks denkst, welches Album kommt Dir in den Sinn?

Paul Simon mit „The Rhythm Of The Saints”… [mit geschlossenen Augen, sehr konzentriert]… Ich bin im fünften Stockwerk, irgendwo in Camden, ich schaue über die Straßen, rauche eine selbstgedrehte Zigarette von meinem besten Freund und trinke Earl Grey Tee.

„The Wheel” war das erste Lebenszeichen von S O H N und ging ziemlich durch die Decke. Wusstest Du im Studio schon, dass Du dabei warst, etwas Großes zu produzieren?

Nein, nicht im Geringsten! Eigentlich war es genau das Gegenteil: Als ich „The Wheel” geschrieben habe, war ich davon überzeugt, dass das wohl eher das Ende meiner Musikkarriere bedeutet als den Anfang. Ich habe mir nicht gedacht: „Scheiße, das wird groß!” sondern eher: „Okay, es interessiert ja sowieso niemanden mehr.”

Und plötzlich schien es, als würde sich die gesamte Musikindustrie bei Dir melden. Wie hat sich das angefühlt?

Das hat sich damals sehr gut angefühlt. Zum Glück hatte ich einen Manager an meiner Seite, der sich darum gekümmert hat – ich habe keine einzige dieser Nachrichten gelesen.

Du hast in den letzten Jahren in Wien gelebt, jetzt verbringst du viel Zeit im Tourbus und in diversen Tonstudios auf der ganzen Welt. Gibt es noch einen Ort, den Du Deine Homebase nennst?

Wien ist schon ein Ort, an den ich immer zurückkehren kann, aber ich würde es jetzt nicht mehr als Homebase bezeichnen. Im Moment arbeite ich von überall, ich bin sozusagen heimatlos – oder auch an vielen Orten zu Hause.

Zum Beispiel Los Angeles, wo Du ein paar Wochen lang mit Banks geschrieben und produziert hast. Wenn Du für andere Künstler schreibst, denkst Du dann manchmal: „Diese Idee ist so großartig, die behalte ich lieber für S O H N”?

Das ist nur einmal passiert und war auch, bevor ich die Idee noch jemandem gezeigt hatte. Die Songs, die ich für andere Künstler schreibe, könnten niemals meine sein – ich schreibe mit ihren Stimmen in meinem Kopf.

Stimmt es, dass Du deinen JUNO Synthesizer, Deinen Drumcomputer und ein altes Notebook zu jeder Songwriting Session schleppst?

[lacht] Ja, obwohl sonst niemand so arbeitet. Normalerweise bringen Songwriter fertige Tracks zu einer Session mit und ich kreuze mit dem JUNO Synthesizer auf meinen Schultern und dem Drumcoputer unterm Arm auf und sage: „Hallo, wie geht’s? Können wir das einstecken?”. Ich glaube, dass mich manche Menschen als exzentrisch erachten.

Deinen Kleidungsstil könnte man auch als exzentrisch bezeichnen. Ist die Kapuze eigentlich eine Art Schutzschild?

Mein Outfit hat eine Doppelfunktion: Einerseits dient es dem Schutz und der Verteidigung, andererseits fällt man aus der Reihe und erzeugt Aufmerksamkeit. Man kann sich also gar nicht dahinter verstecken. Ich ziehe mich jeden Tag so an und mag das Ritual, das damit verknüpft ist. Es erinnert mich daran, wer ich bin und daran, mir treu zu bleiben. Bevor das alles passiert ist und ich noch kein ausgeprägtes Gefühl für mich selbst hatte, war ich eine sehr sprunghafte Person. Jetzt ist es so, dass ich mich selbst daran erinnere, beständig zu bleiben.

Vielen Dank, S O H N, hat Spaß gemacht mit Dir!

 

 

I HEART SHARKS: Hymnen aus der Hauptstadt

„Anthems” heißt das neue Album der drei Wahlberliner und der Titel passt wie die sprichwörtliche Faust aufs Auge. Wir haben Pierre und Simon von I Heart Sharks zum Interview getroffen, um mehr über ihre neue Platte in Erfahrung zu bringen.

I Heart SharksI Heart Sharks sind eine Band am Puls der Zeit. Die drei Bandmitglieder kommen ursprünglich aus London, New York und Bayern, haben sich im Berghain kennengelernt und setzen auf Elektropop mit Pathos. Von „urbaner Lyrik” ist die Rede, als „musikalische Personifizierung des typischen Berliner Stils” oder gar als „hipster Propheten” werden sie bezeichnet. Eine vielleicht zu eindimensionale Darstellung, die dieser Band nicht ganz gerecht wird. Klar, ihr adrettes Äußeres ist durchaus clubtauglich und ihr Sound trendy, aber hey, diese Band hat bedeutend mehr zu bieten als das vermeintlich Offensichtliche. I Heart Sharks sind drei Vollblutmusiker, die seit vielen Jahren mit viel Herzblut und einer klaren Vision an ihrem Stil und dem, was ihre Band ausmacht, feilen. Wir haben Sänger Pierre Bee und Gitarrist/Keyboarder Simon Wangemann zum Interview gebeten und zwei sehr sympathische Musiker kennengelernt.

Ihr habt Euch als Selfmade-Indie-Band einen Namen gemacht und euer Debütalbum „Summer” durch Crowdfunding finanziert. „Anthems” ist jetzt bei einem finanzstarken Label veröffentlicht worden. War das eine große Umstellung oder ein ganz natürlicher Prozess?

Pierre: Wir sind noch immer sehr autonom. Der Tag, an dem wir unseren Plattenvertrag unterschrieben haben, war sehr unspektakulär. Wir saßen in unserem Studio an einem Tisch und ob man es glaubt oder nicht: Es hat sich nichts verändert, wir haben genauso weitergemacht wie bis dahin! Wir sind nach wie vor selbst für unsere Musik, die Videos und das Artwork zuständig.

Simon:  Nachdem wir das erste Album fertig hatten und eineinhalb Jahre auf Tour waren, stand die Überlegung im Raum: Wollen wir das nochmal so machen, mit Crowdfunding und einem kleinen Budget, oder wollen wir mal wirklich härter daran arbeiten, etwas Neues machen und größer herauskommen? Das mit dem Majorlabel hat sich dann so ergeben.

Das Album wurde von Joseph Cross produziert, der unter anderem mit Hurts und Chlöe Howl gearbeitet hat. Simon, Du bist auch Musikprodzent, war das eine Zusammenarbeit auf Augenhöhe?

Simon: Klar hat er seine Referenzen und bevor wir uns persönlich kennengelernt haben, dachten wir schon: Dem müssen wir mit Respekt begegnen, der hat sich verdient gemacht. Nach kurzer Zeit haben wir Joseph aber schon als zusätzliches Bandmitglied gesehen. Wir waren alle gleichberechtigt und hatten dieselben Ideen. Er war nicht so, dass er mit seinen Regeln und Konventionen angekommen ist…

Pierre: Kein Ego-Zeug! Wir haben gemeinsam darauf geachtet, dass auf dieser Platte jede Sekunde etwas Spannendes passiert.
Simon: Die Regel „Leave your ego at the door!” war allgegenwärtig.  Nur, weil das Josph Cross ist, heißt das nicht, dass man nicht sagen kann: „Der Basslauf klingt blöd.” Es gab keine starre Rollenverteilung im Studio.

Eure Einflüsse sind sehr 80er-lastig: Kraftwerk, David Bowie, The Cure… Welche aktuellen Bands inspirieren Euch?

Pierre: Prince macht noch Musik, oder? Er wird für immer Musik machen. Ich liebe Prince, er ist auf unserer Platte rauszuhören. Ich mag es, wie er die Wörter verbiegt und seine Art zu singen ist einfach einzigartig. Friendly Fires finden wir toll, weil ihre Texte – wenn man genau hinhört – sehr kitschig sind. Sie werden als Indie-Band gesehen und man denkt nicht daran, dass sie eigentlich eine totale Pop-Band sind. Abseits der Musik interessieren mich Filme. Auf „Anthems” erzähle ich Geschichten, die von Filmen inspiriert sind.

Gibt es einen Regisseur, den Du besonders schätzt?

Pierre: Lustigerweise haben mir mit Kaspar Winding eine Nummer geschrieben, die „Drive” heißt. Als das Lied schon fertig war kam heraus, dass sein Bruder Nicolas der Regisseur von dem Film „Drive” ist. Er hat auch „Only God Forgives” gemacht, wobei ich dessen Story nicht so toll finde. Aber die Farben und die Lichter sind großartig, er hat einen ganz eigenen Stil.
 
Euer Video zu „To Be Young” erzählt die Geschichte eines alten Liebespaares. Was ist Euch näher: Das Konzept von Lebensabschnittspartnern oder das der immerwährenden Liebe?

Pierre: Unsere Eltern sind noch zusammen. Ich glaube wir haben beide dieses idyllische Bild davon, jemanden zu finden, mit dem man für immer zusammen bleibt. Das ist doch süß, finde ich. Bei mir klappt es nicht so. Für mich war wichtig, das Video sehr cineastisch zu machen, damit die Essenz des Songs zu spüren ist.

Am 24. April beginnt eine Tour, die Euch in die größten deutschsprachigen Städte bringen wird. Funktionieren I Heart Sharks besser im urbanen Raum als vor der Dorfjugend?

Pierre: Wir haben sehr oft in Dörfern gespielt, in Clubs, die keine wirklichen Clubs waren. In alten Fabrikhallen, zum Beispiel, wo wir vor dem Gig zusammen mit dem Veranstalter noch schnell eine Bühne aufgebaut haben. Das ist eine sehr essentielle Sache, die wir nicht verlieren sollten. Konzerte im kleinen Rahmen können wirklich Angst machen, wenn das Publikum so nahe an uns dransteht (hält sich die Hand direkt vor sein Gesicht). Wir werden im Herbst noch eine Tour spielen und würden uns freuen, wieder in kleinen Clubs in Dörfern aufzutreten. Die Musik, die wir jetzt machen, ist viel eingängiger und nicht so düster und technobasiert wie die erste. Ich denke, dass diese Platte besser verstanden wird.

 

 

 

 

Arthur Beatrice: „Berlin ist interessanter als London.”

Arthur Beatrice_2Letztes Jahr ging ein Jubelschrei durch die Blogger-Szene: Arthur Beatrice hätten das Zeug, die nächsten The XX zu werden, hieß es.Eine gewisse stilistische Ähnlichkeit mit ihren Landsleuten ist dem Quartett aus London nicht abzusprechen: Viele ihrer Songs leben von dem Zusammenspiel aus männlichen und weiblichen Vocals.

Die Musik von Arthur Beatrice ist aber weniger düster und setzt mehr auf große Pop-Momente. Ihr Debütalbum, „Working Out”, ist ein Querschnitt der Bandgeschichte: „Einige Songs darauf sind wirklich alt.”, erzählt Orlando Sheppard, der für das Songwriting zuständig ist und sich gemeinsam mit Ella Giardot den Gesangspart teilt. „Wir haben über einhundert Songs geschrieben – in einem Zeitraum von zehn Jahren”, führt Bassist Hamish Barnes fort. Er und sein Bruder Elliot bilden die Rhythmussektion von Arthur Beatrice. Ich schaue ihn ungläubig an: Zehn Jahre macht ihr schon zusammen Musik? Das kann ich doch gar nicht glauben! Hamish nickt belustigt und meint: „Doch, doch… wir haben sehr früh angefangen. Als wir unsere ersten Songs geschrieben haben, waren wir zwischen 12 und 14 Jahre alt. Wir hatten aber nie Ambitionen, das mit der Musik auf einem professionellen Niveau zu betreiben. Die Band war vielmehr ein Grund, zusammen Zeit zu verbringen.” Nachdem sie ihre Schule, in deren Keller sich ihr Proberaum befand, verlassen hatten, zogen Arthur Beatrice nach London. Dort konzentrierten sie sich darauf, ihren eigenständigen Sound zu entwickeln. Der erste wirklich relevante Song, den sie geschrieben hätten, sei ihre Single „Midland”, sagt Orlando. 

Ein weiterer Track, der als Single ausgekoppelt wurde, ist „Grand Union”. „It’s so devastating when you feel you’re all above and you’re not in love”, lautet der Refrain. Im zugehörigen Video zieht die Band in einen wunderschönen Altbau, richtet sich schön ein, nur, um kurz darauf wieder die Zelte abzubrechen. Ist das symptomatisch für unsere Generation, sich nie mit etwas zufriedengeben zu können und immer nach mehr zu streben? „Das ist auf jeden Fall eine Möglichkeit, das Video zu interpretieren”, antwortet Hamish, „In London ziehen die Menschen zwischen 20 und 30 dauernd um, weil der Wohnraum so teuer ist.” Orlando fügt hinzu: „Dieses Prinzip kann man auf viele Dinge anwenden, auf Orte, zum Beispiel. Wenn wir in Berlin oder in Paris sind, denkt man sich: Das ist alles so wundervoll. Zu Hause ist man immer von denselben Dingen umgeben und daran gewöhnt. Wenn mich jemand fragt, was man sich in London unbedingt ansehen soll, hätte ich wirklich Probleme, diese Frage zu beantworten. Berlin und Paris erscheinen viel interessanter.” „Oft resultiert Zufriedenheit auch aus Sicherheit”, klinkt sich Ella ein, „viele Universitätsabgänger in England finden keinen Job mehr. Das war in der Generation meiner Eltern anders – die haben sich mit 25 ihr Haus gekauft.”

Eine derartige Lebensplanung käme für die vier Mittzwanziger ohnehin nicht in Frage. Sie haben gerade ihre erste US-Tour hinter sich und konzentrieren sich erstmal vollends auf die Band. Einen Soundtrack würden sie gerne schreiben, erzählen sie mir und Orlando äußert den Wunsch, sich zukünftig mehr mit Filmen zu beschäftigen: „Kürzlich haben wir uns „Her” angesehen, dafür hätte ich gerne den Soundtrack gemacht.” „Ich mag es, wenn Bands den Soundtrack für einen ganzen Film schreiben, Flash Gordon von Queen war großartig und es klang gar nicht nach Queen”, meint Hamish. „Was? Das klang total nach Queen!”, neckt ihn Orlando. „Gar nicht, das war nur wegen Freddy Mercurys Stimme so.”

Man solle sich „Working Out” übrigens in ruhiger Atmosphäre und ohne große Ablenkung anhören, geben sie mir abschließend als Wunsch mit auf den Weg. Egal, ob an einem Strand in Hawaii oder im eigenen Wohnzimmer.